COTIDIANO + RELACIÓN = ARTISTA

“El arte es un estado de encuentro”

Nicolás Bourriaud en la Estética Relacional hace un estudio del arte de los 90´s, periodo en donde el modelo socioeconómico mundial está siendo transformado gracias a la caída del muro de Berlín  y la Internet  que junto a  la tecnología de avanzada configuran nuevos métodos de comunicación a nivel global. Estos cambios cuestionan la posición del Arte en el mundo naciente y se pregunta si es necesario mantener esa distancia entre el Artista y el Espectador, este último también distanciándose y siendo un agente pasivo para la “obra de arte”

En primer lugar es necesario aclarar que el hacer arte nunca distancia al artista de su condición humana, entendiéndose al SER HUMANO: como un animal que pertenece a la familia de los homo sapiens que gracias a su escala evolutiva avanzada logra desarrollar una compleja función cerebral. El cerebro tiene un gran desarrollo y le permite concretar numerosas actividades racionales y elaborar pensamiento abstractos, creativos y de otro tipo. Tras superar los tres años de edad, en el pensamiento humano prevalece lo simbólico. A fin de que en su creatividad se llega a educar como Artista. El crítico Benjamín Buchloch definía al artista como un “sabio/filósofo/artesano” que entrega a la sociedad “los resultados objetivos de su trabajo”. Esta figura sucedía a la del artista como “sujeto médium y trascendental”. Los recientes desarrollos del arte son sólo un matiz de la intuición de Buchloch: el artista de hoy aparece como un operador de signos, que modela las estructuras de producción con el fin de lograr dobles significantes. Un empresario/político/realizador. El denominador común entre todos los artistas es que muestran algo. El hecho de mostrar basta para definir al artista, se trate de una representación o de una designación.

Además de su condición humana el Artista se encuentra en un lugar y contexto específico: la ciudad donde vive, trabaja, el lugar donde se vacaciona e incluso el lugar donde habita: su casa por esta razón  no existe ningún lugar mental donde el artista pueda excluirse del mundo que representa. Siempre está en un vaivén de leer, palpar e interpretar todo lo que le rodea.

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Home Run, 1993  /  Gabriel Orozco

En esta ocasión  quiero referirme a la obra de Gabriel Orozco. Es un artista mexicano que nació en Jalapa, Veracruz, el 27 de abril de 1962. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas entre 1981 y 1984 y en el Círculo de Bellas Artes de Madrid entre 1986 y 1987. Orozco comenzó a destacarse a principios de la década de 1990 con su exploración del dibujo, la fotografía, la escultura y la instalación. El artista es un ávido viajero del mundo. Junto con su esposa María Gutiérrez y su hijo Simón.

El nomadismo de Orozco como forma de vida comenzó a marcar su trabajo durante esta época, en la que al explorar las calles encontró una gran inspiración. Sus primeros trabajos tuvieron por objeto romper con la corriente predominante de la década de 1980, que a menudo incluía grandes estudios con muchos asistentes y elaboradas técnicas de producción y distribución. En contraste, Orozco siempre ha trabajado solo o con uno o dos asistentes más. Su trabajo gira en torno a muchos temas que se repiten y a técnicas que incorporan objetos comunes y de la vida real. La exploración de los materiales que él escoge permite a la imaginación del público explorar las asociaciones creativas entre objetos frecuentemente ignorados en el mundo de hoy.

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Dentro de su obra encontramos: Perro durmiendo (1990), Naturaleza recuperada, Turista Maluco,  Mis manos son mi Corazón  estas tres de 1991, Piedra que Cede (1992), Caja de Zapatos Vacía, Home Run, La DS de 1993, Tapas de Yogurt (1994), Mesas de Trabajo (1996), Papalotes negros (1997), a la fecha Dinteles (2001), Pinturas de Árboles Samurái (2004), Corplegados (2011). 

En su ir y venir como viajero ademas de su interés por el movimiento encontramos un  interés por crear un dialogo entre lo natural, lo artificial y lo anecdótico cotidiano. Su actividad plástica parte de objetos encontrados donde la materia es el vehículo de una idea y no un fin en sí misma, estos objetos el los transforma en medio de la acción consciente de un sujeto que ha perdido su territorio de origen y que trata de encontrarlo en los sitios en los que vive, haciendo uso de todo aquel objeto que se encuentre en el presente de donde el está habitando haciendo una fuerte de interacción entre el objeto y el espacio es así como se apropia de realidades, en apariencia, insignificantes para dotarlas de una significación en la que juega con los contextos entre lo cotidiano y la contemplación, pues como ya lo había expresado anteriormente el arte sirve como puente para conectar la realidad y la traducción y/o representación de la misma.“El arte importante regenera la percepción de la realidad, la enriquece y la transforma.”(Iturbe, 2007) 

El estrecho vínculo del artista con la naturaleza y con aquellos objetos habitados por una carga cultural, política y social, a partir de la intervención del hombre, le llevan a configurar una obra donde la movilidad y la memoria es determinante en todo este proceso. Cómo podemos ver en Turista Maluco de 1991, es una fotografía que Orozco toma  en Bahía, Brasil. El artista paseaba por la ciudad de Cachoeria y allí encontró un mercado vacio y al mismo tiempo encontró unas naranjas podridas, así decidió poner una en cada mesa del mercado, la gente que estaba observándolo lo llamo Turista Maluco = Turista Loco, lo interesante de esta obra es que muestra el acercamiento de Orozco a la fotografía, ademas de que él no    que sus fotografías sirvan como documentación con miras a convertirse; a contrario, quiere que sean testigos de un acontecimiento efímero que a menudo se produce mientras el artista está solo.

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Otro ejemplo de como Orozco usa los objetos de la cotidianidad lo encontramos en Caja de Zapatos Vacía,  Obra presentada en la  Bienal de Venecia de 1993, Orozco colocó en el piso de la Aperto  una caja de zapatos vacía. El uso de la caja de zapatos en un principio podría considerarse simplemente como algo ya hecho, pero al contrario, el uso de este objeto por parte de Orozco estaba destinado a llamar la atención del espectador a a lo que le rodeaba. La colocación de un objeto tan familiar dentro de un entorno por lo demás vacío permite más de una toma de conciencia de lo que está y no está en el espacio. “Las razones de la atracción silenciosamente convincente de un objeto totalmente banal son por supuesto múltiples; sin embargo, se podría encontrar una primera explicación en el hecho de que la presentación de un contenedor vacío, en lugar del propio objeto, traza el mismísimo cambio del valor de uso al valor de exposición que se ha producido en la cultura en su conjunto.” (Benjamin HD Buchloh)

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Orozco nos pone en un encuentro fuera del taller del artista, fuera del uso magnánimo de una técnica con miras a crear un gran arte duradero y de culto, con un arte que mira la “vida real” por así decirlo, un arte que llama la atención en la acción inmediata que toma los objetos insignificantes de estática y busca llamar la atención sobre ellos, recuperar toda la carga que existe en ellos para mostrarnos que en efecto no cualquier cosa es arte y no quiere decir que todo valga, sino que en el objeto y en lo que lo rodea hay un sin numero de factores que lo enriquece, existe una historia que contar y un encuentro con el otro (espectador) de la obra, demostrándonos isa que la técnica es un soporte para transmitir lo que se quiere expresar, es una manera de traducir una realidad, un momento fugaz, un lugar especifico de la tierra, un imaginario común de la sociedad de la cual hace parte el Artista, el Arte y el Espectador.

 

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